Kresba je srdce
Navrhovanie je základom sebavyjadrenia. Naučiť sa kresliť je najpomalší, ale najbezpečnejší spôsob, ako dosiahnuť ovládnutie svojej maľby.
Autor: Juliette Aristides
Kresba je srdcom a dušou umenia. Je však často podceňovaná a niekedy dokonca obávaná, pretože inak sú usilovní umelci odrádzaní od potrebného času. V 60., 70. a 80. rokoch 20. storočia v dôsledku abstraktného expresionizmu, neoexpresionizmu a módy pre montážne a inštalačné umenie čerpal z učebných osnov väčšiny umeleckých škôl všetko, čo však zmizlo. Kresba sa zdala zbytočná, takmer zastaraná. Už predtým, už v roku 1924, sa učenie kreslenia považovalo za sekundárne v porovnaní s učením maľovania, čo je zrejmé z tohto pozorovania Harolda Speeda: „Kresba, hoci prvá (dôležitá), je tiež poslednou vecou, ktorú maliar zvyčajne štúdií. Je v ňom viac (kreslenie), ktoré sa môžu učiť a ktoré odrádza od neustáleho vynaloženia úsilia “(z praxe a vedy kresby, dotlač Dover v roku 1980).
Farba okamžite priťahuje, áno, ale forma poteší myseľ i oko. Prečo je kresba, bez ohľadu na to, čo je predmetom, tak dôležitá? Pomysli na portrét, kde sú oči nesprávne zarovnané alebo na krajinu, kde je perspektíva šikmá. Akýkoľvek emocionálny dopad, ktorý by mal obraz inak, bol odstránený technickou chybou. Speed veril, že kresba sa dá naučiť, a ja ako učiteľ umelcov túto skutočnosť potvrdzujem. Ktokoľvek sa môže naučiť kresliť, ale rovnako ako hrať na klavíri sa to nestane cez noc a bez cvičenia. Niektorí umelci začínajú so zariadením, pretože kreslili už od detstva. Vo svojom ateliéri vidím takého študenta a vidím toho druhého, tých, ktorým chýbajú zručnosti, ale sú odhodlaní skúsiť to. Druhá skupina prináša obrovské zisky, zatiaľ čo tí z prvej skupiny riskujú úspech len zriedka. Tí, ktorí majú disciplínu vytrvať, sa stanú vycvičenými navrhovateľmi, ktorí sú schopní ovládať techniky akéhokoľvek média.
Akademická tradícia
Momentálne vyučujem svoju vlastnú ateliérovú triedu na Akadémii výtvarných umení v Seattli. Učebné osnovy, ktoré som vymyslel, sú prísne, v súlade s akademickou tradíciou, ktorá sa začala v dielňach renesančných umelcov a prekvitala v 18. a 19. storočí, najmä v École des Beaux Arts a Académie Julian. Skoršie storočia pochopili, že umelec musí byť dôkladne vyškolený ako spravodajca pred prechodom na maľovanie; desaťročie štúdia kresby sa často nepovažovalo za neprimerané. Tiež sa akceptovalo, že umelecké zručnosti sa musia dôkladne vyladiť skôr, ako sa pokúsi vysporiadať s hlavným predmetom ľudskej formy. Až potom, čo umelec predviedol remeslo v maľbe odliatkov postáv a zátišie, mohol prejaviť vitalitu a vznešenosť postavy. Maľba ľudskej podoby si vyžaduje, aby umelec nielen dosiahol podobu, ale aj navrhol - s hĺbkou, citlivosťou a integritou - čo leží mimo vzhľad: duša.
Zručnosť zvyšuje sebavyjadrenie
Začínajúcim umelcom sa dnes hovorí, že zručnosť sama o sebe potláča sebavyjadrenie. Naopak, verím, že naučenie sa umeleckého remesla vám umožňuje vyjadriť svoju vlastnú víziu. Tradičné zručnosti sú základom, od ktorého vy, umelec, pracujete. Základom sebavyjadrenia je remeslo, nie jeho nedostatok. Naopak, byť kreatívny bez znalosti remesla je ako pokúsiť sa ozdobiť štrukturálne nezdravú budovu. To nedáva zmysel.
Moje učenie považujem za odovzdávanie umeleckého dedičstva, ktoré by sa inak stratilo. Keď učím, snažím sa prenášať informácie, ktoré umelec potrebuje, zrozumiteľným spôsobom. Zložitejšie úlohy kreslenia a maľby sa stávajú lepšie zvládnuteľné, keď sú rozdelené na časti.
Kreslenie je proces zjednodušovania
Nie je nič dôležitejšie ako kresba. Proces zjednodušovania, akt navrhovania, spadá do oblasti kresby. Všetko, každý aspekt umenia - to znamená, pomer, hodnota a forma - ale farba spadá do oblasti kresby. Ak je umelkyňa najprv pripravená ako navrhovateľka, môže sa viac sústrediť na farbu, než si robiť starosti so správaním proporcií.
Jedným z paradoxov toho, ako sa naučiť kresliť, je to, že v počiatočnej fáze sa vyžaduje obetovanie detailov v prospech dizajnu a gesta, zatiaľ čo konečná fáza vyžaduje, aby každá časť tela bola vykreslená, inak bude práca vyzerať všeobecne a plocho. Naučiť sa kresliť si vyžaduje čas; vyžaduje si, aby ste čerpali zo života každý deň. V mojom ateliéri sa študenti začínajú zameraním na kreslenie; pokročilejší študenti prechádzajú na monochromatický a potom plne chromatický obraz. Študenti kreslia sadry, nahé modely a zátišie; kopírujú tiež majstrovské diela. Projekty sa stávajú čoraz zložitejšími, pretože ich zručnosti spolu s dôverou v tieto zručnosti rastú.
Ako prejsť od kresby k maľbe
Existuje mnoho spôsobov, ako začať maľovať, ako je temperament. Považujem za užitočné rozdeliť proces maľby na rôzne zložky: kompozíciu, kresbu, hodnotu a farbu - vo všeobecnosti sa pracuje v tomto poradí. Základom je silný dizajn; silný dizajn bude mať dopad z celej miestnosti. Ďalším najdôležitejším komponentom je kreslenie. Mojím cieľom je, aby výkres bol presný a dobre koncipovaný. Ďalej pracujem na zjednotení hodnôt tak, aby tmavé oblasti poskytovali kontext pre svetlá. Nakoniec sa zameriavam na farbu - tak na miestnu farbu, ako aj na spôsob, akým svetlo ovplyvňuje túto miestnu farbu.
Práca na pódiách: umelecké remeslo
Zvyčajne trávim niekoľko dní prípravou kompozície. Potom kreslím priamo na plátno. Kresbu upresňujem navlhčeným permanentným atramentom Indie (takže ďalšia vrstva farby túto čiaru neodstráni) nanesenú jemnou kefou. Potom urobím monochromatické podfarbenie, ktoré stanoví hodnoty. Na tento účel často používam surový amber zmiešaný s terpentínom; táto zmes môže úplne zakrývať povrch plátna, ale atramentové čiary budú stále pod ním viditeľné. Svetlá som vytiahol bavlnenou handrou.
Pracujem vždy od všeobecného po konkrétny. Začnem najširšími vzťahmi v línii, hodnote a farbe a potom sa sústredím na menšie vzťahy v rámci každého objektu alebo v rámci každej časti. Pomocou veľkej kefy blokujem celkové farebné vzťahy. Väčšina hrán je stratená; Zaujímam sa o prepojenie objektov.
V tejto chvíli sa znova pozriem na výkres. Číta dobre z diaľky? Je na obraze podradená časť, na ktorú je príliš veľa pozornosti? Potrebuje hrana ustúpiť alebo sa posunúť vpred? Často robím zoznam a konzultujem ho, keď vykonávam zmeny.
Zaostrenie nakoniec na farbu
Teraz sa sústredím na jednu časť obrazu naraz a uvediem každú oblasť do dokončeného stavu. Snažím sa udržať tieňové tvary jednotné a jednoduché; Robím to tak, že nedovolím príliš veľa rozptylu hodnoty v tieni. Potom sústredím svoje úsilie na poltóny medzi jadrom tieňa a svetlami. Ak cítim farbu, vložím ju - nejde ani tak o to, aby som videl tú farbu, pretože to zachytáva záblesk z rohu môjho oka. Verím, že to bude v kontexte vyzerať správne. Skôr než použiť jednu farbu na celú oblasť, hľadám vzťahy farieb. Farba v prírode je nesmierne rozmanitá, vysoko komplexná a úžasne krásna. Pokiaľ je kresba a rozsah hodnôt silné, farba môže byť otázkou názoru. Divák odmietne posúdiť, čo sa zdá pravdepodobné v prospech toho, čo umelec vytvára.
Svetlo v tme
Od začiatku som vedel, že chcem byť umelcom. Vyrastal som v Readingu v Pensylvánii, pomerne malom meste. Moji rodičia emigrovali z Kapského Mesta v Južnej Afrike, kde som sa narodil. Môj otec bol lekár a moja matka, keď som bol mladý, zostal doma. Mali sme veľa kníh, najmä kolekciu 50 alebo 60 monografií o majstrovských maliaroch. Moja rodina cestovala tiež slušne, takže som videl veľa umenia a skutočne som skopíroval veľa diel. Bol som veľkým fanúšikom Rembrandtovho.
Keď som bol teenager, nastavil som budík na 2 hodiny ráno, aby som mohol byť sám a chodiť v tme. Čítal som veľa filozofie a myslel som si, že je dôležité komunikovať s prírodou, najmä v čase, keď celý svet vyzeral spať. Je úžasné, koľko som videl; Potom som urobil veľa skicovania. Keď ste v tom veku, život je taký nový a ste nažive. Je to, akoby ste videli veci prvýkrát, akoby všetko zapálilo.
Myslím si, že umelci túto mládežnícku intenzitu neustále využívajú. Keď som vyzeral ako umelec, zdá sa, že moja práca je stále viac o zjavení. Vidím maľbu ako akt osvetlenia, práce temnotou voči svetlu. Svetlo je skvelý odhaliteľ vecí. Mal som učiteľa Myrona Barnstona, ktorý mi raz povedal: „Hrob je pre temnotu. Pavučiny sú pre hrob. Keď ste nažive, mali by ste oslavovať svetlo. “Toto vyhlásenie rezonovalo so mnou. Považujem za fascinujúce, že v živote sú tieto chvíle, keď si uvedomíte, že sa deje niečo dôležité; že zážitok sa nikdy nebude reprodukovať; že to bude miznúť a bude zabudnuté, nikdy nebude regenerované - pokiaľ to namaľujete. Mať schopnosť a nadobudnúť schopnosť maľovať tento druh okamihu, zaznamenávať tento druh zjavenia, je šialene úžasné.
Aspekty remesla
Tipy z ateliéru
1. Kreslite zo sadrových odliatkov starožitných sôch.
2. Skopírujte hlavné výkresy. Táto prax vám poskytne príležitosť študovať, ako majstri transformovali prírodu so všetkými jej rozptylmi, hojnosťou a podrobnosťami do línie.
3. Mysli ako dizajnér. Najväčšia imitácia nie je najväčšie umenie. Pri čerpaní zo života hľadajte, čo chcete povedať, a zdôraznite dominantný charakter pózy modelu.
4. Práca od všeobecného k špecifickému. Je ľahké byť ohromený zložitosťou vyskytujúcou sa v prírode a je potrebné skúsiť začať s riešením toho, čo je relevantné od toho, čo je zbytočné.
• Šilhanie pri pohľade na váš predmet.
• Prezrite si farebné sklo alebo farebný acetát, aby ste lepšie videli čiaru.
• Skôr ako začnete maľovať, kondenzujte všetky informácie na malú skicu - napríklad 3 x 4 palce. Ak skica dobre číta z celej miestnosti, ste pripravení začať maľovať.
Toto je úplný článok z časopisu The Artist's Magazine (marec 2004). Ak sa vám toto čítanie páčilo, kliknite sem, aby ste videli viac ohromujúcich umeleckých diel a prečítali si ďalšie funkcie z roku 2004.